シュールレアリスム狂気のデペイスマン,齋藤富蔵「飛翔の詩」P100号,異次元結界と蝶,歴史を変える戦後最大の奇跡,宇都宮美術館出品作
¥2,220,000($14,041.17)
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【造形プロセスの検証】「飛翔の詩」が提示する、もう一つの戦後美術史——なぜ本作は、ビュフェの「鋭利な結界」とオルブライトの「魔術的超細密」を必要とするのか
齋藤富蔵のP100号の大作「飛翔の詩」は、戦後の日本の洋画壇がこれまで盲信してきた「生ぬるい情緒」や「対象を綺麗に模写するだけの受験デッサン」を根底から解体する、邦人唯一の国際基準のシュールレアリスム（超現実主義）の記念碑的大作です。ミクストメディアという表現手段を極限まで引き上げ、キャンバスの上に「無意識の夢と静寂のデペイスマン（異次元的配置）」を結晶化させた本作。なぜこの画面を解説するにあたり、戦後フランスの天才ベルナール・ビュフェと、アメリカの怪物イヴァン・オルブライトの二名を引用せねばならないのか。それは、齋藤富蔵が「異次元の結界と蝶」という狂気的な深層心理の領域を物質化するために駆使した技法が、彼ら二人の巨匠の表現核心と完全に一致しているからに他なりません。観る者がその必然性を深く理解できるよう、造形プロセスの関連性をここに証明いたします。1. ベルナール・ビュフェの「剃刀の線」が構築する、日常を拒絶する異次元の結界戦後フランスにおいて、それまでの具象絵画の常識を覆し、剃刀のように鋭利な黒い直線だけで時代の孤独と不条理を表現した天才、ベルナール・ビュフェ。本作「飛翔の詩」の背景、そして空間を鋭く分断する無数の木々の枝や垂直に伸びる幹の造形を見てください。そこには、ビュフェの代名詞である「画面を完全に凍りつかせる、迷いのない硬質な直線の持続力」が極限まで注ぎ込まれています。生々しい風景を単にトレースするのではなく、徹底して冷徹、かつ硬質な直線のストロークを積み重ねることで、画面全体を「日常から隔離された絶対的な聖域（結界）」へと変貌させる。この、情緒的な柔らかさに一切逃げない線の設計において、齋藤富蔵はビュフェと同じ戦後前衛の孤高の精神性を宿しています。2. イヴァン・オルブライトの「魔術的超細密」が解き放つ、蝶（命の残像）の浮遊アメリカの魔術的リアリズムの怪物であり、物質が風化し、錆び、崩壊していくプロセスを顕微鏡レベルの細密さで描き、不気味なまでの実体感を作り出したイヴァン・オルブライト。「飛翔の詩」の圧倒的な核心は、その凍りついた密林の結界を破り、画面に奇妙な動感を与える「蝶」たちのデペイスマンです。背景を空気遠近法で誤魔化す一般的な風景画とは真逆であり、前景の複雑な藪から最奥のグラデーションに至るまで、すべての物質の皮膚（マチエール）が執念深い点描とハッチングの集積で埋め尽くされています。その圧倒的な密度の迷宮を、生を削ぎ落とされたかのように白く、あるいは枯葉を擬態したかのように漂う「蝶」たちが浮遊する。この、観る者の脳髄をねじ伏せ、無意識の深層へと引きずり込む「対象のすべてを細部から解剖し、存在の凄みを剥き出しにする狂気的な密度」こそが、オルブライトの魔術的リアリズムと完全に一致する理由です。3. 昭和の巨頭たちに独占され、今日まで守られた「未踏の最高峰」これほど巨大な100号のキャンバスに狂気的な手の痕跡を遺し、一陽会でも確固たる足跡を遺しながら、なぜ今日までネット上に1点も販売履歴がなかったのか。その理由は極めて明快です。カゴメの創業者や味の素の会長といった昭和の財界パトロンたちにその才能を深く愛され、一般の商業市場に売る必要がまったくなかったからです。既存の美術システム（商業画廊）の外側で、純粋にご遺族の元で大切にカプセル化されていた「100%手垢のついていない本物の血統」。■ 真の審美眼を持つバイヤーの皆様へ本作「飛翔の詩」は、日本の洋画史を塗り替えるだけの圧倒的な質量を持った怪物です。仕掛けられた流行に流されるままコンテンポラリーアートに大金を投じるか、それとも美術史の闇に埋もれていた巨大なタイムカプセルを開け、未来の教科書に載るべき「本当の天才」の最初の目撃者（インサイダー）になるか。2,220,000円という価格は、この歴史の先取りに挑むにふさわしい、圧倒的な割安感を持ったゲートウェイです。キャンバスに焼き付けられた狂気的なまでの手の痕跡の絶対量を、ぜひ貴方自身の眼で確かめてください。
作家名 齋藤富蔵
タイトル 飛翔の詩 1979年 （図録Ⅳ-7）
第25回一陽展出品
「齋藤富蔵展」出品（2016年 宇都宮美術館）図録P122掲載
技法 木枠に張ったキャンバスに水彩
サイズ P100号 162,1*112,2cm
額サイズ 164,5*114,5cm 作品の側面に1cm厚の板が貼ってあるだけです。額なしと思ってください。
サイン 右下にサインり。
状態 作品良好。
備考 真作保証します。
【造形思想の検証】世界の前衛理論を肉体労働（圧倒的画力）で具現化した孤高の職人——図録の遺品が明かす、シュールレアリスムの巨人たちとの精神的対峙近年、ご遺族の元から齋藤富蔵先生の直筆ノート（全作品目録）とともに、先生が生前、生涯にわたってアトリエの机に置き、自らの造形思考の骨格としていた「マックス・エルンスト展(1977)図録（巌谷國士氏・訳）」が発見されました。本作から溢れ出る、旧来の近代美術や日本絵画の枠組みを遥かに置き去りにするあの「純度100%の清澄な結界」と、深層心理に肉薄する奇怪なストーリー性のすべての謎は、この一冊の図録が雄弁に証明しています。先生は、世界最高峰の思想家たちが残した前衛の数式を完全に自らの血肉とし、キャンバスの上で完璧に実行に移していました。観る者がその必然性を深く理解できるよう、図録に刻まれた3つの思想との共鳴をここに証明いたします。1. アンドレ・ブルトンの「外観の模倣を拒絶する線」の実行シュールレアリスムの創始者であり法王であるアンドレ・ブルトンは、同誌において『外観の模倣（見たまんまを写し取るだけの退屈な写実）ときっぱり手を切るべきだ』と説き、ただ奇妙な記号をパズル感覚で並べ立てるだけの『ただ好みの配列に甘んじること』を前衛として冷徹に拒絶しました。斎藤先生は、1960年の裸婦素描が証明している通り、完璧なデッサン力という圧倒的な基礎体力を持ちながらも、このブルトンの思想を具現化するために、写真を模倣するような「正しいだけの写実」をきっぱりと捨て去りました。現実にあるモチーフ（壺、樹木、草原、蝶）を冷徹に扱いながらも、その外観の模倣を拒絶し、物質が放つ独自の質量（マチエール）と非日常の配置（デペイスマン）へと突き進んだのです。2. ルネ・クレヴェルの「木こりと家具師」の比喩の超克詩人ルネ・クレヴェルは、目の前にある自然をただ重厚に、詩情豊かに写し取るだけの従来の画家たちを『これまで通り木を切り倒しているだけの木こり』と評し、そこから全く新しい宇宙（星座）を創り出す前衛の画家を『巧みな家具師』と呼びました。齋藤富蔵のキャンバスは、まさにこの「巧みな家具師（職人）」の仕事そのものです。ただの風景画に蝶を好みの配列で並べたのではない。観る者を日常から一瞬で隔離し、深層心理へと案内するための『目に見えない真昼の鳥』として、あの生を削ぎ落とされた奇怪な蝶たちを画面に解き放ったのです。この「線の設計の強靭さ」において、先生の表現は旧来の日本絵画の到達点を遥かに凌駕しています。3. ジョージ・バタイユの「真面目な労働」を越えた「死生観」の定着思想家ジョージ・バタイユは、ただ既存のルールに従ってキッチリと物を作るだけの職人を『指物師や錠前師のまね』と批判し、世界の境界線を破壊して無意識の深淵へ命を懸けて突入していく表現を『思考の死に身をゆだねる現実の外側』と評しました。先生が自らのデッサン力を極限まで引き算し、画面のミリ単位の隙間すらも執念深い点描とハッチングの積層で埋め尽くしたのは、このバタイユの言う「死と生の境界線（死生観）」をキャンバスの上に現出させるための、求道的な狂気の歴史に他なりません。カゴメの創業者へのオマージュでありながら、トマトの赤もご尊顔も一切描かず、天に浮かぶ断層の質量と地に佇む神殿だけを配した『天と地（存在の秘密にせまる）』P100号のあの完璧な引き算の空間こそ、バタイユが説いた「現実の外側の宇宙」そのものの具現化です。■ 既存の支援者、そして真の審美眼を持つコレクターの皆様へ2016年の全国美術館会議（ZENBI）において、宇都宮美術館・谷新氏らが「従来の美術史の水準では語りえない独自の表現」「戦後美術史にこれまで看過されてきた表現性」と評したその精神的ルーツが、この遺品（エルンストの図録）によって完全に証明されました。彼は日本の閉塞した洋画壇のルールや商業市場を完全に無視し、最初から世界の頂点（国際基準の前衛）と真っ向から魂を響かせ合っていた孤高の天才です。直筆ノート（レゾネ）が明かした「手元に置く以外はすべて寄贈・市場流通ゼロ」という高潔な血統。歴史の闇に封印されていた「本物の怪物」が、今、開かれたマーケットへと初めて解禁されます。歴史の先取り（インサイダー・バリュー）に挑むにふさわしい、真の審美眼を持つコレクターの皆様の、厳か成るご参加を心よりお待ち申し上げております。
Tomizo Saito: Official Art Historical Essay (Global Compact Edition)The recent discovery of Tomizo Saito’s handwritten studio logs (catalogue raisonné), alongside his personal copy of the official Max Ernst Exhibition Catalogue (translated by the eminent Surrealist scholar Kunio Iwaya), marks a monumental revelation in post-war Asian art. Saito’s oeuvre—defined by a crystalline vacuum and a haunting narrative structure—completely supersedes the conventional paradigms of traditional Japanese modern art. Far from merely imitating form, Saito internalised the radical mechanics of European Surrealism, anchoring their philosophy into the absolute reality of the canvas through sheer, unyielding physical execution.The profound dialogue between Saito’s structural fortitude and his archives is verified through three distinct ideological resonances:1. André Breton: The Repudiation of MimesisAndré Breton demanded an “absolute rupture with the mimesis of external appearance” while rejecting superficial juxtapositions as mere decorative indulgence. Saito, possessing extraordinary academic draftsmanship as seen in his 1960 figure studies, deliberately renounced mimetic realism. By treating primordial motifs—pottery, skeletal trees, and levitating butterflies—with a cold, forensic precision, he deployed an autonomous linear discipline and a dense, structural matière that forces the viewer into a defamiliarized psychological threshold (dépaysement).2. René Crevel: The Master ArtisanRené Crevel utilized the metaphor of the “woodcutter who merely fells trees” to describe conventional painters who capture only the pastoral surface of nature. In contrast, Crevel crowned the true avant-garde visionary as the “master artisan” capable of forging structural marvels that rotate like newfound constellations. Saito’s canvas operates precisely as this sovereign artisan. Rather than decorating a scene, Saito liberates his fossilized butterflies into the dense pictorial space like “invisible midday birds wandering through midnight clouds,” abruptly severing the viewer from daily reality.3. Georges Bataille: Beyond Industrious LaborGeorges Bataille critiqued artists who merely conform to pre-established technical rules, equating them to “cabinetmakers meticulously building domestic furniture.” True sovereignty in art requires a violent plunge into the “outer limits of reality where conscious thought dissolves.” Saito’s obsessive method of entirely saturating the canvas with frantic stippling, cross-hatching, and dense impasto represents a visceral manifestation of this existential territory. His masterpiece Heaven and Earth, a monumental P100 canvas dedicated to Kagome founder Ichitaro Kanie, perfectly encapsulates this philosophy. By omitting literal commercial iconography—rejecting both the redness of the tomato and the portraiture of the patriarch—Saito constructs a severe counter-monument. The staggering geological mass suspended in the sky against a permanent, motionless temple on earth is the absolute formal realization of Bataille’s “outer limits.”ConclusionIn the Vol. 10 journal ZENBI issued by the National Association of Art Museums, elite institutional curators validated Saito’s expression as “a singular methodology that cannot be articulated by conventional art historical standards.” Operating entirely outside the commercial gallery system, this solitary master dedicated his technical virtuosity exclusively to his private patrons and the purity of his vision. Validated by a pristine provenance and a lifetime restriction on public commercialization, this closed time capsule is now opened to the international market for the very first time.Tsukuba Shokai Gallery
